Luciana Lamothe
Canoa
Canoa, tubos fluorescentes, soga
5,40 x 1,10 x 1,10 m
2006
El atajo es una construcción que desafía el orden y despierta en el espectador la curiosidad de observar el mundo a partir de otros puntos de vista. Originalmente instalada en el Museo MARCO La Boca, en la Ciudad de Buenos Aires, la obra rompía con la estructura formal arquitectónica de la sala de exposiciones.
El traslado de El atajo al parque de esculturas y el cambio de paisaje, transforma completamente su perspectiva pero sigue ofreciendo al público su esencia: crear condiciones para una nueva manera de interactuar con su entorno y de sorprenderse por el camino.
Landet trabaja con desechos socioculturales, elementos encontrados que ya han pasado por sus procesos de producción y consumo, cargados de memoria. A través de una arqueología procesual, los clasifica, reordena y superpone en ellos sus propias narrativas, en función del tiempo presente.
José Luis Landet (Buenos Aires, 1977).
Ig: @joseluislandet
- Crossfit
El Crossfit sólo es posible en el marco de la posmodernidad. Refleja la inseguridad que deviene en una necesidad de construirnos a partir de la copia de lo que es aceptado, de lo hegemónico. Implica, a la vez, una sobreexigencia para el cuerpo en favor de la pose, un cuerpo que no sólo es un receptáculo orgánico, sino una máquina de producir, recibir, resonar y multiplicar infinidad de afectos. Toda esta intensa carga se proyecta a la crianza de las nuevas generaciones con un efecto exponencial de presión y control. Seguimos reflexionando sobre los ideales impuestos y la imposibilidad de alcanzarlos. A la vez, nuestra testarudez para buscar conseguirlos. Sobre las trampas del cuerpo hegemónico. La amenaza que éste vocifera a nuestra subjetividad.
- Mantra
Datos. Cada segundo, el tráfico de datos en el mundo excede al número de humanos, sumado al número de coca-colas, sumado al número de fotos, y a miles y miles de categorías más que podríamos nombrar.Mientras que la realidad es continua, los humanos intentamos discretizarla al punto de producir y procesar millones y millones de datos, momento a momento.
Las telecomunicaciones son una tecnología fundamental de nuestros tiempos. Poco a poco completan los distintos paisajes terrestres con su radiación invisible y un plan de control, expansión y dominación.
Las interfaces de las redes sociales y de comunicación que utilizamos nos convocan con sus vibraciones, sus sonidos. Recibimos, diariamente, un entrenamiento para su distinción, su valor social, sus jerarquías. Gracias a la repetición. Como un mantra de la hiperconexión.
DOMA (Colectivo creado en Buenos Aires, 1998):
Mariano Barbieri // Julián Manzelli // Matías Vigliano // Orilo Blandini.
Web: doma.tv
Ig: @domacollective
Papaleo investiga en la escultura la representación del espacio y la mente humana. Sus esculturas no solo son visuales, sino también táctiles y auditivas. Discípulo de Enio Iommi, se lo considera un referente del arte sinestésico e inclusivo.
Sonitus es una pieza que indaga acerca de cómo se establece la comunicación entre la naturaleza y los seres humanos. Su tamaño es imponente, al igual que su estructura, y en ella el lenguaje de lo geométrico se conjuga con el entorno. Tiene la intención de generar conciencia en cómo afectamos al medio que nos rodea y cómo el medio nos afecta recíprocamente, generando conciencia en relación con el medio ambiente.
Daniel Papaleo (Buenos Aires, 1968).
Web: papaleoart.com
Ig: @danielpapaleo
Héctor Tassino presenta una gran escultura de metal que contiene diversos lentes. Busca que el espectador interactúe y transite la obra, disponiendo de lupas, de manera tal que desde un punto central se pueda observar todo el ambiente circundante. En palabras del artista, “se ve el universo transformado por el arte”.
En este caso, utiliza la luz y el reflejo. Las lentes, prismas y espejos son elementos que se configuran y conspiran en el desarrollo de sus obras. A través de materiales ópticos que modifican la realidad del observador según su punto de aproximación, convierte a quienes se acerquen a interactuar en parte de una pieza que con su presencia modifica al entorno.
Estos instrumentos tienen por finalidad dar un nuevo sentido a la escultura, para que el espectador mire a través de ella, viéndose reflejado y mostrándole así otra realidad de sí mismo que lo invite a reflexionar.
Héctor Tassino (Buenos Aires, 1961).
Ig: @tassino
Nosotros es una instalación compuesta de 4 rectángulos espejados y a escala humana, de colores amarillo, naranja, magenta y rojo, que giran 360° a partir de un sistema interno de rotación. Este proyecto es una producción pública y participativa que focaliza en los problemas relativos al espacio, tanto en sus cuestiones físicas, como en sus vínculos con el contexto donde está ubicado y con las personas que se acerquen a él a activarlo con su acción.
Las relaciones humanas, las tensiones políticas y sociales que éstas provocan son parte constitutiva de la obra. La construcción de nuevos espacios nos ofrece el desafío de la existencia de la otredad, la dimensión de lo social y relacional. Plantea la cuestión política más fundamental: ¿cómo vamos a vivir juntos; a convivir?
Los espectadores construyen simultáneamente un nexo entre ellos al accionarla, moviendo hacia un lado o hacia el otro los planos espejados de color. De este modo trazan nuevas relaciones, crean y descubren el entorno. El espacio está continuamente en proceso de ser modificado.
Carola Zech (Buenos Aires, 1962).
Web: carolazech.com.ar
Ig: @carola.zech
70 veces 7 es el nombre de la instalación de sitio específico creada por Gabriel Chaile. La obra se presentó por primera vez en la sala MARCO Arte Foco, cuando estaba situada en el Paseo de Las Artes (Av. Pedro de Mendoza y Wenceslao Villafañe), en el Barrio de La Boca.
Esta estructura cúbica de gran formato, construida en hierro y ladrillos, fue exhibida en un ciclo de exposiciones producidas por el Museo en conversación con obras de Antonio Berni y León Ferrari, pertenecientes a la colección.
El trabajo con el ladrillo funciona como un elemento simbólico: es el componente central de la construcción, pieza simétrica, cuerpo formal y de génesis. Chaile pone de manifiesto la relación del hombre con la naturaleza y la cultura. Observa y ordena el espacio, al exhibir el cubo como metáfora expositiva, como abstracción y como lenguaje universal. Este fragmento de arquitectura viajó de La Boca a Cañuelas para ser emplazada en MuseoCampo, y desde allí continuar abriendo un abanico de sentidos en diálogo con un espacio natural.
Gabriel Chaile (Tucumán, 1985).
Ig: @soychaile
La historia de esta obra comenzó en un paseo que dio el artista por nuestro campo, en el que descubrió un árbol muerto, negro como el carbón, que fue alcanzado por un rayo diez años atrás. Al verlo, se sintió atraído inmediatamente porque de alguna manera reconoció en la corteza del árbol una trama semejante a la que utiliza en sus obras.
El primer paso fue la extracción del árbol, que se trasladó a un aserradero, para luego ser llevado a un autoclave. Fue intervenido por medio de materiales y colores diversos, volviendo a ser instalado nuevamente en el campo.
Dijo el artista: “Compleja esperanza es una obra que felizmente me ha encargado la Fundación Tres Pinos y que realicé con la colaboración artística de la Fundación Luis Felipe Noé. Me han dado la ocasión de sentirme desafiado en un medio que no es habitual en mi producción: un objeto-instalación. Opté por relacionarme directamente con la naturaleza a través de un tronco quemado que tuvo que extraerse de la tierra y limpiarse de impurezas, lo que significó su inversión: las raíces en el lugar de las ramas del árbol. Esto me pareció magnífico en el sentido de que siempre me interesa encontrar la imagen por el derecho y el revés. Todo esto fue multiplicando el desafío y así, dándole vida a través del color y de copias parciales de algunas de sus ramas en bronce, fui armando esta obra con el espíritu de un título que lo ubico como estímulo: Compleja esperanza”.
Luis Felipe Noé (Buenos Aires, 1933).
Web: luisfelipenoe.com
Ig: @yuyonoe
La escultura de Javier Bernasconi presenta la forma de un sello cuya empuñadura está formada por una cabeza humana que yace sobre el suelo y en cuya base se lee la palabra «cancelado». Es una invitación a reflexionar sobre las injusticias actuales que no tienen voz, y cuya mención podría ser motivo de censura y cancelación.
Acumular seguidores y apoyo siempre ha sido una poderosa herramienta para ejercer presión y control social. Este tipo de poder puede ser tan intimidante y opresivo que deja poco espacio para una defensa justa, similar a cómo el cadalso se usaba en el pasado para ejecutar a personas con el respaldo de una muchedumbre. Este poder no solo controla, sino que también inhibe la libertad de expresión y el debate abierto.
Hoy criticamos las injusticias del pasado y admiramos a quienes, enfrentando graves consecuencias, lucharon por la igualdad ante la ley. Valoramos la valentía de aquellos que se atrevieron a desafiar las normas de su tiempo. Sin embargo, ser como ellos hoy implica enfrentar las injusticias que ocurren en el presente. Para identificar el poder actual, debemos cuestionar lo que no se está discutiendo y reconocer las injusticias que no están siendo visibilizadas.
Javier Bernasconi (Buenos Aires, 1975).
Web: javierbernasconi.com
Ig: @javier_bernasconi
Una gigantesca mariposa limonera en su último vuelo sobre los campos de la provincia de Buenos Aires. En los entramados laberínticos de vegetación de este insecto sobredimensionado se esconden palabras que marcan, a modo de mapa, el recorrido de un viaje que va desde La Boca hasta Cañuelas.
La especie elegida para representar es la Papilio thoas limonera o mariposa de los naranjos, que se encuentra en la zona del museo. Llevada a una escala extrema, se constituye en la gran metáfora de emprender el vuelo luego de un proceso de crecimiento y diferenciación.
Andrés Paredes hace una relectura contemporánea del paisaje de la selva de Misiones, retrata sus universos y los elementos de una tierra marcada por las fronteras. Elige insectos que pasan por grandes procesos de cambio como mariposas, cigarras y libélulas, asociándolos con deseos y procesos humanos. También investiga sobre la arqueología y la genealogía personal, abordando recuerdos de su niñez y desplegándolos en grandes instalaciones participativas en las que juegan todos los sentidos.
Andrés Paredes (Misiones, 1979).
Web: andresparedes.com.ar
Ig: @andresparedesarte
Fasoli desarrolla este conjunto de obras a partir de una serie de monumentos, frisos y estatuas de uno de los grandes maestros de la escultura nacional del siglo XX, Alfredo Bigatti. Se trata de una selección de piezas que representan momentos clave de la historia argentina, y que fueron creadas para rendir tributo a sus próceres.
Fasoli reversiona monumentos que fueron creados siglos atrás en materiales nobles, destinados a perdurar en el tiempo y a destacarse en el paisaje urbano. Mediante su gesto de apropiación los rescata para fraccionarlos, desterrarlos y sacarlos a pasear mediante reproducciones hechas de materiales efímeros, livianos y baratos como el poliestireno.
Franco Fasoli (Buenos Aires, 1981).
Ig: @francofasolijaz
Cuando en otoño de 2021 la Fundación Tres Pinos le encargó al artista una escultura para MuseoCampo, Sicura se sintió inmediatamente atraído por el número tres. Inicialmente esbozó una forma elíptica elemental e incierta que se desarrolla multiplicándose en tres direcciones horizontales, para abrazar la circularidad del espacio. Esta primera idea debe compararse con las dimensiones reales totales de la escultura, que finalmente alcanzó los tres metros de altura y otros tantos de base, con los consiguientes problemas técnicos y estructurales relacionados con el material utilizado: el hierro.
Los tres pétalos ovoides iniciales se configuraron como tres cuadrados rematados por arcos de medio punto que insisten, especularmente, también en el lado de la base. Cada elemento vertical encontró su estabilidad estructural retenida de los demás por una madeja de varilla ferrosa. La simbología del cuadrado y el círculo se relaciona y se perfecciona con la del número tres, que genera en planta la forma triangular. El tres como expresión de la unidad profunda de la energía universal que para Jano se libera y revela en la relación padre/madre/hijo.
Como expresa Aníbal Vanetti en relación con esta pieza, “La escultura, colocada entre la vegetación y los árboles, hoy parece reposar livianamente sobre el pasto sin importar su peso. Exhibe su suntuoso rojo óxido en simbiosis con la fauna lacustre local, integrando plenamente su perfecta unidad formal (las Geometrías Enlazadas) con el poder generativo de una Naturaleza benévola y acogedora”.
Jano Sicura (Sicilia, 1950).
Ig: @janosicura
La obra del maestro León Ferrari pertenece a la serie de esculturas sonoras realizadas por el artista durante su exilio en la ciudad de San Pablo, Brasil, a finales de los años 70 y principios de los 80. Estas obras sonoras tienen la particularidad de ser, a la vez, esculturas e instrumentos, es decir que pueden ser observadas tanto como intervenidas por el público. El artista las concibió para ser emplazadas en espacios abiertos: sus materiales permiten la permanencia a la intemperie. La pieza exhibida en MuseoCampo fue realizada por la FALFAA-Fundación Augusto y León Ferrari, bajo la supervisión del artista.
Durante sus años de permanencia en Brasil, Ferrari se vinculó con diversos artistas con los que trabajó en múltiples técnicas: fotocopia, arte postal, litografía, microficha, videotexto y libro de artista, entre otros. En 1980 realizó una serie de heliografías de planos, utilizando la técnica de Letraset, y también desarrolló los instrumentos musicales que usaría en varias performances.
En 1983, con el regreso de la democracia, Ferrari retoma el tema político-religioso con collages e ilustraciones de la Biblia, en los que suma la iconografía católica, la erótica oriental e imágenes contemporáneas. Esas piezas, junto a sus heliografías, han sido exhibidas y premiadas en los más relevantes circuitos del arte contemporáneo internacional.
León Ferrari (Buenos Aires, 1920 – Buenos Aires, 2013).
Web: leonferrari.com.ar
Por medio de esta obra que retrata al performer Alejo Nereida, Minkiewicz se propone reformular los modelos más canónicos que constituyeron la base de la escultura a finales del siglo XIX y principios del XX, para volver a pensar la práctica escultórica problematizándola.
De cierto modo, esta Nereida evoca a la figura mitológica a través de su título y la pose del protagonista, pero ya no se trata aquí de la imagen clásica e idealizada, sino de una persona real que forma parte de la cotidianeidad del artista.
En esta pieza, realizada especialmente para MuseoCampo, se retoma la práctica del retrato largamente establecida, pero actualizada desde una perspectiva contemporánea, considerando la existencia de géneros fluidos y no binarios en las sexualidades.
Alexis Minkiewicz (Santa Fe, 1988).
Web: alexisminkiewicz.com
Ig: @alexisminkiewicz
La presente instalación fue pensada y diseñada por los artistas para MuseoCampo mientras se desarrollaba en el Museo MARCO La Boca su exposición De París a Buenos Aires. Allí se concibió la realización en bronce de sus esculturas, siendo la primera vez que el dúo artístico trabajó con materiales nobles, pensando en la perdurabilidad de su obra en el tiempo.
Juan Stoppani se ha convertido en un referente del arte Pop argentino, a través de una iconografía enérgica, de colores vibrantes y festivos, que rompió con la solemnidad de las corrientes estéticas precedentes. A lo largo de 50 años, Stoppani conformó una prolífica dupla creativa junto a Jean Yves Legavre, generando un verdadero universo de formas y color.
Radiantes de color, lúdicas, alegres, sus piezas remiten al diseño, el teatro y la moda, presentando un modo personal de asimilar las líneas que se expandieron por el mundo en los años 60. En su imaginario, la geometría se vuelve un marco para la acción de la vida cotidiana: un lugar en el que las figuras repetidas y combinadas entre sí, dan lugar a vibrantes situaciones escenográficas que permiten imaginar otros modos de habitar este mundo.
Juan Stoppani (Buenos Aires 1935- 2022)
Jean Yves Legavre (París, 1946).
Esta delicada e inusual pieza del maestro Libero Badii se sumó a la Colección Tres Pinos luego de pertenecer a otros acervos particulares. Se trata de un bronce realizado en los inicios de la carrera del artista, cuando aún exploraba corrientes de expresión clásicas. La obra presenta una reconocible figura de mujer, atípica en las creaciones posteriores de este artista de origen italiano que desarrolló toda su trayectoria en Argentina.
Integrante de la vanguardia de los años 60, Badii desplegó una prolífica producción que comprende escultura, dibujo, pintura y grabado, atravesada por la consolidación de un pensamiento propio sobre la relación arte/vida que volcaría en su propuesta de Arte Siniestro. Con elementos de la psicología freudiana y atento al desarrollo de las culturas originarias mesoamericanas, Badii creó una teoría estética muy personal que le otorgó un lugar destacado entre los artistas de su generación.
Bajo la influencia de las experimentaciones expandidas en todo el mundo desde mediados del siglo XX, su desarrollo estilístico derivó en el uso de una colorida paleta que hoy identifica su producción, mayoritariamente incorporada al patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes.
Libero Badii (Arezzo, 1916 – Buenos Aires, 2001).
La instalación de Bastón Díaz consta de tres esculturas que se despliegan en el espacio construyendo una escena. Las piezas fueron intervenidas por el artista con los colores rojo, azul y amarillo, representando una variación interesante en relación con su estilo habitual, reconocible desde los años 80, que se destaca por sus grandes y sobrias piezas de hierro, acero o madera.
En la profusa Serie de la Ribera, a la que pertenecen estas esculturas, Bastón rinde homenaje a la figura del inmigrante a través de la estilización de formas procedentes de los barcos, no de un modo directo sino operando desde asociaciones ancladas en el imaginario colectivo. Impecablemente realizadas y dotadas de fantásticos equilibrios compositivos, estas obras de gran escala se nutren de rectas y curvas en tensión, en diálogo constructivo.
Las piezas se presentan como cuerpos sólidos de superficies pulidas, unidos mediante engranajes que remiten al diseño industrial. El vínculo entre las tres partes que integran esta instalación ideada para MuseoCampo es rubricado por el artista mediante un juego de distancias que potencia la contemplación.
Alberto Bastón Díaz (Buenos Aires, 1946)
Ig: @bastondiaz
Desarrollada en el marco de su proyecto América, la videoinstalación Pejerreina de Adriana Bustos retoma los bestiarios citados en algunos de sus trabajos anteriores. Una mujer pez de arcilla yace, inerte, en su extraña condición de pescado barroso con branquias y vulva. Detrás de su cuerpo se proyecta la costa del arroyo Chimiray, que nace en la provincia de Misiones y desemboca en el río Uruguay.
El paisaje selvático y el rumor de los bichos de tierra y agua la acompañan con indolencia, ensimismados en la maravilla de su propio fluir. En cierto punto ajena a lo que le sucede, la Naturaleza se ha vuelto testigo de monstruosidades que nada tienen que envidiar a aquellas vislumbradas por los cronistas de Indias.
Bustos inventa con su pejerreina un arquetipo de bestia local, una señora dama pescado de río. En las antípodas de las sirenas, feminidades hiperidealizadas de las leyendas europeas, esta cuasi mujer exhibe sin pudores su sexo, su panza peluda, el rictus de una boca que no parece evocar cantos hipnóticos. Las luces y sombras de la vegetación que crece junto al arroyo la pintan de verde en su intermitencia. Los sonidos de la costa suavizan a medias su costado más pesadillesco.
Adriana Bustos (Bahía Blanca, 1965).
Web: adrianabustos.com.ar
Ig: @adrianaobustos
Esta obra fue un proyecto de sitio específico exhibido por primera vez en el marco de la exhibición 5855 de un lado / IDEM, presentada en la galería Alberto Sendrós (2006). Los tubos fluorescentes dispuestos dentro de la canoa fueron extraídos del sistema de iluminación de la sala, que durante la muestra contó con esta pieza como única fuente de luz.
Lamothe es una artista visual que trabaja en escultura, performance, activación, dibujo, fotografía y video. El concepto de su obra se centra en investigar la blandura de los materiales concebidos como duros. Explora las relaciones dialécticas entre su dureza y blandura en relación con su resistencia, así como entre los conceptos de construcción y destrucción.
Su investigación se enfoca en extremar las posibilidades de ciertos materiales de construcción sometiéndolos a sus límites para realzar su potencialidad. Los concibe como actantes con comportamientos propios y relacionales, agentes fluidos en permanente transformación. Genera estructuras donde un mismo elemento puede ser a la vez rígido y flexible en un mismo sistema constructivo. En sus esculturas participativas se mezclan forma y función con el propósito de generar mecanismos que puedan ser activados por el espectador, y en los cuales pueda establecerse una relación entre ambos.
Luciana Lamothe (Buenos Aires, 1975).
Web: lucianalamothe.com
Ig: @lucianalamothe
En la era de las pantallas, Rafael Parratoro propone una mirada crítica que apela a la imaginación libre y al espíritu infantil. Su obra para el Paseo Escultórico es el resultado de un profuso desarrollo artístico en torno a la óptica, la cinética y el arte digital, a la vez que revisa cruces y tensiones entre tecnología y colonialismo, ciencia y naturaleza.
La pieza realizada para MuseoCampo resulta de sus avanzados conocimientos de ingeniería hidráulica y programación, que usualmente aplica en sus creaciones. El efecto de movimiento de la imagen es generado por una ilusión óptica que condiciona la experiencia del espectador, invitado a reformular lo que observa a través de su interacción con la pieza.
Resquicio cuántico es, para el artista nacido en Venezuela y nacionalizado argentino, “una obra de arte extraterrestre, concebida con parámetros basados en física cuántica, en los agujeros negros y en viajes multidimensionales. Sueño que pueda considerarse tanto una nave espacial como un planeta, un castillo, un templo, un portal o lo que sea que apele a nuestra susceptibilidad ante la maravilla”.
Rafael Parratoro (Caracas, 1977).
Web: parratoro.com
Ig: @parratoro
